Teoría y función del arte

Arte es la necesidad de expresión del ser humano. ¿Por qué esa necesidad? ¿Es por placer estético? Si así fuera el arte sería el camino hacia la belleza y la belleza es la cualidad de dar placer a los sentidos.
Pero el arte no siempre persigue la belleza, a veces trata de producir terror, como en algunas pinturas románticas, o busca temas de tragedia y dolor.

Hoy en día el arte excluye a menudo la belleza entendida como placer, a no ser que tengamos en cuenta el placer que sentimos al admirar la capacidad del artista para representar la realidad, su universo interior o para imaginar la ficción. El arte es materia de la que emanan sensaciones porque alguien lo ha querido así.
Para conocer mejor las obras de arte y así entenderlas y disfrutarlas, es preciso que intentemos saber cúal es la experiencia humana, qué motivó al artista para crear esa obra e identificarnos con él.
Toda obra incluye alguna referencia del artista que la creó, pero a menudo, tiene muchas más referencias de la época en la que se desarrolló. Hoy casi todos los artistas crean en plena libertad, pero no siempre fue así. Hasta el siglo XIX los artistas trabajaron generalmente por encargo, con el apoyo de un mecenas, bajo la autoridad del poder político-militar o religioso (arte al servicio del poder) y la seguridad de un contrato para venderla después. Por eso era más importante el gusto popular del cliente que el del artista.

Debe ser pues, propósito del historiador conocer el por qué una sociedad concreta eligiera tipos concretos de obras de arte y de estilos. Esto nos lleva a interpretar la obra de arte como un documento histórico más para conocer la vida de nuestros antepasados.
Si el artista es el mero ejecutor material del gusto popular o del subconsciente colectivo o de tal o cual mecenas, entonces ¿qué hace que una obra de arte sea buena o mala?
- Que el artista sintonice con ese subconsciente colectivo y realice además una obra técnicamente maestra, un ejemplo es el David de Miguel Ángel.

- Que el artista, ocasionalmente, se desentienda del gusto popular y cree algo nuevo, no admirado en su momento pero transcendente para el futuro, como por ejemplo los impresionistas.

- Que el artista interprete sus encargos a su manera, partiendo del gusto popular pero creando un estilo particular y creativo, un ejemplo son las obras de Murillo.

¿Cómo ha registrado el artista el mundo visible? ¿Podemos hablar de evolución? No está tan claro. Lo que sí está claro es que la forma de observar la realidad está relacionada directamente con el pensamiento y la idiosincrasia de las sociedades y civilizaciones.

El primer paisaje conocido en Europa es un fresco de la isla de Thera: son planos superpuestos, contornos y perfiles dibujados y los interiores coloreados, todo ello bastante esquemático. Los ocupantes de aquella habitación sentirían hallarse en medio de un paisaje real, pero hoy pocos lo aceptaríamos como tal.

En el 1300 Giotto pintaba las rocas y las plantas bellamente modeladas, con luces y sombras y casi en tres dimensiones aunque tórpemente. Pintaba con precisión y sus obras se consideraban muy reales.

En el siglo XV Jean Van Eyck pinta un paisaje de estructura similar a la de Giotto pero mucho más realista, con una perfección de miniaturista, casi fotográfica, desde los guijarros hasta las nubes. Entonces eso era lo más real.

Mientras tanto, en el mismo momento pero en el norte de Italia, los artistas observan que la realidad es una cosa y lo que ve el ojo humano es otra. Por eso los objetos se ven más pequeños cuanto más lejos están. Se inventan entonces las líneas de fuga y la perspectiva lineal.

Durante el siglo XVI y XVII, Leonardo primero y Velázquez después, descubren que a veces no vemos bien los objetos, nuestra nitidez disminuye conforme se alejan los objetos y también cuanto más denso es el aire que hay entre ellos y nosotros. Así es como nace la perspectiva aérea.

Así llegamos al siglo XIX y con el Impresionismo la percepción cambia: desaparecen los contornos, se borra el dibujo, los detalles se emborronan y el artista intenta captar con pinceladas rápidas una visión pasajera, una percepción fugaz, una impresión veloz, en movimiento y nerviosa. Para los artistas esa era la visión de un ojo de la Revolución Industrial, sin embargo su pintura no fue aceptada por irreal.

En el siglo XX lo irreal es la norma, siguiendo un proceso por el cual el Arte se desvincula de la realidad para buscar formas puras. Nace así el arte abstracto. Al final una obra de Mondrian o Kandinski es mucho más irreal que el fresco de Thera. Luego entonces ¿hay evolución o no?. No, si la realidad es sólo lo que capta un ojo humano. Sí, si la realidad es además todo lo conceptual que rodea al ser humano.

A la larga, la realidad es un concepto tan engañoso y subjetivo como el de la belleza.

¡Oh capitán, mi capitán!

El club de los poetas muertos es la adaptación cinematográfica del libro del mismo nombre escrito por Nancy H. Kleinbaum. Narra el encuentro de un profesor de literatura con un grupo de alumnos durante 1959 en la Welton Academy (Vermont), institución muy prestigiosa. La educación que imparten en dicha escuela es de las más duras y disciplinadas del país. Su objetivo consiste en preparar a los alumnos para que obtengan los mejores puestos en la universidad, como en toda la historia de la escuela.

Cuando el nuevo curso comienza, la monotonía de la escuela desaparece con la llegada de un nuevo profesor, John Keating, el cual se ve a lo largo de la película que es algo singular dando clases de poesía. Este licenciado propone un nuevo método de ver las cosas, y defiende una cultura renacentista; propone aprovechar cualquier instante, vivir intensamente cada minuto de vida. Todo esto se resume en una frase: “Tempus Fugit, Carpe Diem” (El tiempo fluye, aprovecha el momento). Esta filosofía choca frontalmente con la doctrina de la escuela, y ésta será la principal fuente de problemas que surgen a lo largo del largometraje.
La acción principal se desarrolla alrededor del club de los poetas muertos, el cual está formado por los alumnos de Keating.
Keating será acusado del suicidio de uno de sus alumnos que tenía en mente ser actor, a pesar de que sus deseos estaban en contra de los de sus padres; por ello, el profesor, llamado Capitán por sus educandos, es expulsado de la escuela.

Siempre optimista, siempre alentador, el profesor de literatura de la academia Welton enseñó a sus alumnos (y a muchos de nosotros) que nada es imposible. Porque aun cuando no se tiene fuerza o poder siempre se podrá contar con las palabras y las ideas para cambiar el mundo.
"En mi clase aprenderán a pensar por Uds. mismos. Aprenderán a saborear la palabra y el lenguaje. Porque, a pesar de lo que les digan, la palabra y las ideas pueden cambiar el mundo."
Si de algo está llena la genial e inspiradora ‘El club de los poetas muertos’ es de citas y frases memorables. Whitman, Robert Frost y William Shakespeare entre otros son sólo algunos de los más notables autores citados en la obra de Peter Weir. Sin embargo, es a John Keating a quien le pertenece la frase que nos invita a no dejar de soñar.


John Keating nos enseña en la película es a no conformarnos con lo ordinario, invitándonos a ser únicos y extraordinarios.
Quizá la lección más importante de ‘El club de los poetas muertos’ sea aquella que John Keating da en una de sus clases de literatura, donde consigue contagiarnos su pasión y entusiasmo por hacer de la vida algo extraordinario, un lugar en el que el trabajo y el dinero son necesarios pero no lo más importante.
"No leemos y escribimos poesía porque es bonita. Leemos y escribimos poesía porque pertenecemos a la raza humana. Y la raza humana está llena de pasión. La medicina, el derecho, los negocios y la ingeniería son carreras nobles y necesarias para la vida. Pero la poesía, la belleza, el romanticismo, el amor… son las cosas que nos mantienen vivos."

En una institución en la que los cuatro pilares son tradición, honor, disciplina y excelencia, John Keating se atrevió a romper las reglas, liberando a sus alumnos de la tiranía establecida, obligándoles a ver las cosas de manera distinta, y enseñándoles que las cosas dependen siempre del ángulo con el que se miren.

"Me he subido a la mesa para recordarme a mí mismo que debemos mirar constantemente las cosas de una manera diferente. El mundo se ve distinto desde aquí arriba. Si no me creen, vengan a probarlo."

“Libera tu mente. Usa tu imaginación. Di lo primero que se te ocurra aunque sean tonterías”. Éstas son las palabras con las que el profesor Keating intentaba liberar la creatividad e ingenio de uno de sus alumnos. Porque si algo hemos aprendido en ‘El club de los poetas muertos’ es la importancia de pensar por nosotros mismos. Es decir, en ser lo que el señor Keating llama un librepensador.
"Cuando lean, no consideren sólo lo que el autor piensa, consideren lo que ustedes piensan."

Aquí os dejo unos minutos de las escenas más importantes de la película:

https://www.youtube.com/watch?v=iZExl1ge66w
https://www.youtube.com/watch?v=KAfr1BqDqZs

La Escuela de Atenas

En el Cinquecento el centro del arte se traslada a Roma. Durante la Edad Media, Roma había perdido el prestigio y la grandiosidad que en su día tuvo. Gracias a la acción de algunos papas se convertirá en el centro de expresión del poder político del Papado. Se quiere hacer de ella la capital del mundo: centro de poder, capital espiritual y artística. Los mejores artistas pueden desarrollar aquí sus grandiosos proyectos. Hacia el año 1500, los papas son los mayores constructores del mundo y tienen un objetivo común: transformar la ciudad medieval en una ciudad nueva. Los papas utilizarán el arte como medio de prestigio personal y como propaganda de su poder temporal, por ello se convierten en los grandes mecenas de la época.

La escuela de Atenas es una de las pinturas más destacadas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano.

En sus obras, Rafael ya insinúa que la belleza es una realidad que existe en la naturaleza, y que la función del artista es revelarla mediante un acto de creación. Dentro de su producción, son de destacar los trabajos que le encargó Julio II para decorar las Estancias Vaticanas. Sobresale el programa humanístico expresando en la estancia de la Signatura, que era la biblioteca privada del Papa, destacando La Escuela de Atenas.
Representa a los sabios de la Antigüedad, encabezados por Platón y Aristóteles, que avanzan en el centro hacia el espectador. El entorno arquitectónico muestra las novedades del momento introducidas por Bramante. Lo más curioso de los retratos es que los modelos utilizados para representar a algunos de los filósofos eran artistas contemporáneos de Rafael.
Así la imagen de Platón es el retrato de Leonardo.

La de Heráclito es Miguel Ángel.

Euclídes, agachado a la derecha con un compás en la mano es Bramante.

Al extremo de la derecha y mirando hacia el expectador se autorretrata el mismo Rafael.

Otros personajes que aparecen son:
Diógenes

Epicuro

Averroes y Pitágoras

Parménides

Esquines y Sócrates

Alejandro Magno y Jenofonte

Aristóteles

Hipatia de Alejandría y Parménides

Anaximandro

La identificación entre sabios de la Antigüedad y artistas renacentistas pretende la exaltación de la importancia de la Antigüedad clásica en el arte del Renacimiento, pero también dignificar la personalidad de los artistas de la época, que lejos de ser simples artesanos, se les considera intelectuales equiparables a los sabios antigüos.
La composición es abierta, dinámica por la disposición de los diferentes grupos de personas. Algunas posturas son forzadas, retorcidas. La luz es diáfana, el color es intenso y brillante.
Es considerado la expresión máxima del ideal humanista y el mejor ejemplo del equilibrio clásico, de la medida, de la belleza ideal, de la simetría axial, de la claridad compositiva, el encanto colorista y la luminosidad diáfana.

Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.
Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro. La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel Ángel, pero sobreviven unos pocos diseños. Durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante de Roma y el preferido del círculo social del papa.
Proyecto que ideó Rafael para la basílica de San Pedro en el Vaticano, 1514.

Robinson Crusoe

Robinson Crusoe es uno de los libros de aventuras más famosos del mundo. Fue escrito por Daniel Defoe en 1719 y se considera la primera novela inglesa como tal. Tuvo un gran éxito nada más ser publicada. Hoy en día se sigue considerando como una de las obras más importantes de la literatura universal.

Se trata de una autobiografía ficticia del protagonista, donde narra los hechos de un náufrago que, gracias a su esfuerzo, a su trabajo y a su ingenio, puede sobrevivir durante largos años en una isla desierta. Posiblemente, la novela esté inspirada en un relato de la época en el que se presenta un suceso real ocurrido a un marinero escocés, Alexander Selkirk.
Cuenta la historia del joven Robinson Crusoe que, desobedeciendo los deseos de su padre, embarca en un largo viaje como marinero a bordo de un barco de negocios. Pero una gran tormenta abate el barco en el que viajaba, naufragando a una isla deshabitada cerca de Venezuela. Solo y sin medio de escapar, pasará sus aventuras en la isla en la que permanece durante 28 años.
Robinson Crusoe llega a la isla sin nada y acaba dominando tanto a la naturaleza como a los animales, se considera el rey de la isla. Hay varios temas en la obra que resultan chocantes para la sensibilidad contemporánea, como es su aceptación del racismo, el esclavismo y el colonialismo cultural, circunstancias consideradas normales por la sociedad inglesa de la época. Durante la vida de Daniel Defoe, el Imperialismo británico estaba en pleno expansión, y a lo largo de 400 años, los ingleses esclavizaron a más de 20 millones de personas, la mayoría procedentes de la costa este de África. También se ha considerado que la idealizada relación señor-lacayo entre Crusoe y Viernes representa el Imperialismo cultural donde Robinson Crusoe representa al europeo educado mientras que Viernes es el "salvaje" que solamente puede ser redimido de su bárbaro modo de vida a través de su asimilación en la cultura europea. Sin embargo, la postura de Daniel Defoe ante el colonialismo no es totalmente acrítica y durante la novela también condena la conquista española de América.
Otro de los temas importantes en la novela es el religioso y espiritual. Daniel Defoe era un hombre profundamente religioso, educado en el protestantismo presbiteriano , y durante la historia vemos como Robinson Crusoe se arrepiente de haberse rebelado contra su padre. Es a partir del momento que acepta con total rendición la sabiduría de Dios y cuando comienza a progresar en la isla. Durante el resto de la novela, reza, lee la biblia y convierte a Viernes al cristianismo.
Robinson Crusoe se suele considerar una novela de aventuras, pero también es un cuento moral y tiene elementos de fábula puritana, géneros en los que se suelen incluir también Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift, y Tom Jones de Henry Fielding.
A pesar de que han transcurrido más de 200 años desde su publicación sus temas universales despiertan todavía interés, y su capacidad para transportar al lector al universo creado por el autor la convierten en una valiosa herramienta educativa.
La obra se publicó con el título completo de ''La vida e increíbles aventuras de Robinson Crusoe, marinero de York; quien tras ser el único superviviente de un barco mercante, náufrago veintiocho años completamente solo en una isla deshabitada cerca a la desembocadura del río Orinoco de América, y posteriormente liberado insólitamente por piratas; escrito por él mismo". Tuvo un éxito inmediato y universal, antes de que finalizara el año el primer volumen había tenido cuatro ediciones, y en la actualidad tiene más de 700 versiones alternativas con adaptaciones para niños, traducciones a docenas de lenguas, y numerosas adaptaciones cinematográficas y televisivas. Entre las más populares están la película del mismo nombre dirigida por Luis Buñuel en 1954, y la película "Náufrago", también inspirada en la obra.

El origen del lenguaje

Históricamente se han desarrollado numerosas hipótesis sobre el origen del lenguaje. Existen explicaciones tanto de tipo mitológico como científico, pero ninguna de ellas resulta suficientemente convincente.

Génesis, capítulo 11

Pero el Señor bajó a ver la ciudad y la torre que los hombres estaban construyendo, y dijo: “Si esta es la primera obra que realizan, nada de lo que se propongan hacer les resultará imposible, mientras formen un solo pueblo y todos hablen la misma lengua. Bajemos entonces, y una vez allí, confundamos su lengua, para que ya no se entiendan unos a otros”. 

Así el Señor los dispersó de aquel lugar, diseminándolos por toda la tierra, y ellos dejaron de construir la ciudad. Por eso se llamó Babel: allí, en efecto, el Señor confundió la lengua de los hombres y los dispersó por toda la tierra.

En cuanto al origen del lenguaje, en Génesis primer libro de la Biblia, Dios hace al hombre a su imagen y semejanza, dándole con esto también la palabra, pues Dios creó precisamente todo lo que existe mediante ella. También expone que es Adán, el primer hombre sobre la tierra, quien le da a todos los animales el nombre.

En la tradición judeo-cristiana y en la cultura de la Antigua Grecia se explica el origen del lenguaje como un regalo divino. Uno de los aspectos cruciales que preocupaba a los creyentes en tales mitos y narraciones consistía en averiguar cuál era la lengua originaria que había surgido directamente de las manos de la divinidad.
Para saberlo, se ideó un experimento cruel e inmoral: ofrecer a unos recién nacidos todos los cuidados posibles, pero impedir que se hablara a su alrededor. De este modo, se creía que el recién nacido empezaría a hablar espontáneamente la lengua primigenia. El resultado fue un fracaso, los bebés no adquirían ningún lenguaje, no desarrollaban sus facultades mentales e incluso acababan pareciendo.
Una de las primeas hipótesis científicas sobre el origen del lenguaje apunta a los sonidos naturales. Según esta hipótesis, el ser humano habría empezado imitando sonidos naturales, como por ejemplo, el sonido de los pájaros. Dichos sonidos habrían servido en un principio para denominar a dichos animales, y a partir de esta semilla inicial se habría desarrollado el resto de palabras. En todos los lenguajes existen palabras que imitan sonidos naturales (onomatopeyas), pero parece arriesgado aventurar que el lenguaje ha nacido a partir del sonido que emitimos al hacer un esfuerzo o bien de las exclamaciones realizadas al emitir emociones.
Una teoría  propuesta en 2002 por Michael Corballis se refiere a que el origen del lenguaje fue gestual. Esta teoría se apoya en los siguientes argumentos:
a) Los chimpancés o los bonobos emplean signos para comunicarse.
b) Si los antepasados humanos no se hubieran comunicado mediante gestos, sería muy difícil explicar cómo es posible que tengamos la capacidad para usar un lenguaje gestual.
c) Mientras que el habla requiere adaptaciones anatómicas que irrumpieron hace unos cien mil años, las áreas del cerebro dedicadas al lenguaje surgieron hace dos millones de años. Esto apunta a que los gestos fueron anteriores al habla. Estos argumentos no han convencido a la mayoría de científicos.
Otra teoría muy ingeniosa para explicar el origen del lenguaje fue propuesta por Ian Tattersal en 2002. Este autor está convencido de que las capacidades lingüísticas del cerebro emergieron para desarrollar otras  funciones diferentes de las que finalmente acabaron desempeñando: "Las primeras lenguas podrían haber sido inventadas, no por los adultos, sino por los niños en el curso de sus juegos. Una vez introducido el juego de dar nombres a las cosas y combinarlos de mil maneras, su utilidad fue clara y se extendió por todo el grupo social y entre los diversos grupos".

Molière

Interesándome por el teatro clásico francés encontré una obra de Molière titulada "La escuela de las mujeres". Es una obra del año 1662 y critica la mala educación femenina.
Molière es el autor más importante del teatro clásico francés. Conocía los temas del teatro greco-latino y medieval, pero la mayor inspiración le viene de la observación de la sociedad francesa de su tiempo.

Aquí os dejo una adaptación de la obra fácil de leer.
http://www.taringa.net/posts/arte/13186080/La-Escuela-de-Mujeres---Moli-re-Adaptacion-Resumen.html

En esta obra, llena de humor, vemos cómo Molière toma partido por las mujeres, por su educación, por sus derechos como seres humanos y aprovecha para burlarse ferozmente del machismo y de la creencia de que las esposas son objetos que el marido posee en exclusividad.

Una buena obra es la que te hace  reflexionar, en este caso sobre las diferencias entre hombres y mujeres, ¿son producto de la naturaleza o es la cultura quien construye los roles de género?.
Los roles de género son las conductas esperadas de las mujeres y los hombres, aquello que se considera masculino o femenino, pero que varía a través de las culturas y de un periodo histórico a otro.
Para los teóricos del aprendizaje social , los niños y niñas son condicionados genéricamente en su relación con los adultos, se refuerzan comportamientos que se consideran propios de su sexo y se castigan o inhiben otros, por medio de múltiples  mecanismos, tratando de construir un hombre agresivo y competitivo y una mujer más tierna y maternal.
Una de las mayores transformaciones del siglo XX ha sido la idea que las mujeres han adquirido de sí mismas y de su relación con el mundo: ser dueñas de sus vidas en igualdad de condiciones y oportunidades con los hombres.
En la actualidad, los hombres parecen más sensibles e intuitivos y las mujeres más asertivas y autónomas. Ambos sexos tienen que valorar las diferencias como algo enriquecedor y humaninzar las relaciones interpersonales.

Introducción

¡Hola a todos!
Mi nombre es Raquel, tengo 20 años y estudio diseño de interiores. Soy nueva en esto y aprovecho la oportunidad que nos ha dado nuestro profesor de cultura, creando este blog, para quitarme ese miedo a escribir y compartir con todos vosotros temas que se me van ocurriendo, que me parecen interesantes o he descubierto. Me parece muy importante la idea de compartir el saber y la cultura, es un herramienta que nos ayuda a crecer como personas y nos hace sentir realizados.